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Classical music and opera by Classissima

Pyotr Ilych Tchaikovsky

Thursday, September 21, 2017


My Classical Notes

September 11

Oct. 19: Khatia Buniatishvili Concert in Vienna

My Classical NotesI’d love to attend this concert in Vienna, but I am too far away (in San Francisco). Here are the details: Date: Thursday, 19 October 2017, at 7:30 PM Venue: Large Hall of the Konzarthaus in Vienna, Austria Artists: ORF Radio-Symphonieorchester Wien Khatia Buniatishvili, pianist Cornelius Meister, Conductor PROGRAM: Thomas Daniel Schlee: Spes unica op. 72 (2009) Peter Iljitsch Tschaikowsky: Konzert für Klavier und Orchester Nr. 1 b-moll op. 23 (1874-1875) Intermission Dmitri Schostakowitsch: Symphonie Nr. 12 d-moll op. 112 «Das Jahr 1917» (1959-1961) Here is Ms. Buniatishvili in the Tchaikovsky Concerto, with Zubin Mehta conducting the Israel Philharmonic Orchestra:

My Classical Notes

September 9

Anna Netrebko: New Recording

This new recording titled “Romanza: Anna Netrebko” features a whole lot of music performed by Ms. Netrebko and her husband, Tenor Yusuf Eyvnzov. The selections are as follows: Bellini: Eccomi in lieta vesta…Oh! quante volte (from I Capuleti e I Montecchi) Dvorak: Mesícku na nebi hlubokém ‘Song to the Moon’ (from Rusalka) Songs My Mother Taught Me, Op. 55 No. 4 Grieg: Peer Gynt: Solveig’s Song Kalman: Heia, in den Bergen from Die Csárdásfürstin Krutoy: Forse non fu Cantami Mi fa male Credo L’amour Russe Gioia Il nastro blu La fantasia Odna Lyubov Ricomincero Tango mio Pioggia d’aprile Se tu almeno fossi qui Seguire me Unico L’istante prima dell’amore Angels pass away Musica con noi Session Orchestra London, Ben Foster Lehár: Meine Lippen sie Kussen so heiss (from Giuditta) Mozart: La ci darem la mano (from Don Giovanni) Offenbach: Barcarolle (from Les Contes d’Hoffmann ) Puccini: O mio babbino caro (from Gianni Schicchi) Mahler Chamber Orchestra, Claudio Abbado Si, mi chiamano Mimi (from La Bohème) Un bel di vedremo (from Madama Butterfly) Vissi d’arte (from Tosca) Rachmaninov: How fair this spot, Op. 21 No. 7 Strauss, R: Wiegenlied, Op. 41 No. 1 Tchaikovsky: Octgo eto prezde ne znala ni toski ya (from Iolanta) Verdi: Follie! Follie! Delirio vano è questo…Sempre libera (from La traviata) Saimir Pirgu (tenor) Mahler Chamber Orchestra, Claudio Abbado Oh ben s’addice questo torbido cielo … Sempre all’alba ed alla sera (from Giovanna d’Arco) All performed by Anna Netrebko (soprano), and Yusif Eyvazov (tenor). Anna Netrebko and her husband, tenor Yusif Eyvazov, released a new duet album of love songs, Romanza, on September 1, 2017. Eighteen original romantic love songs were written and composed specially for the couple by Russian producer Igor Krutoy. Romanza is not only Anna Netrebko’s first duet album with husband Yusif, but also her first foray out of the realm of traditional core repertoire. Producer Igor Krutoy wrote all 18 album tracks with Anna and Yusif in mind. Many years of working together closely and a one of a kind friendship that stems from his collaboration with Anna and Yusif allowed Igor to write love songs that not only perfectly match their voices, but also are an homage to love in general. Anna met her husband, tenor Yusif Eyvazov, when they starred together in Manon Lescaut at the Rome Opera in March 2014. Since their wedding in December 2015, the couple has appeared in concert and on the opera stage together worldwide. She and Yusif open La Scala’s season on December 7, 2017 in Andrea Chénier; it will be her role debut as Maddalena. Here are Ms. Neterebko and her husband in an extended trailer from this recording:




Classical iconoclast

September 4

Prokofiev's Cantata for the Twentieth Anniversary of the October Revolution - Gergiev Prom

Sergei Prokofiev's  Cantata for the Twentieth Anniversary of the October Revolution, Op 74,  with Valery Gergiev conducting the Mariinsky Orchestra and Chorus. One Day That Shook the World to borrow the subtitle from Sergei Eisenstein's epic film October : Ten Days that Shook the World.  Prokofiev's Cantata was dynamite in many ways. It's an explosion of sound so overwhelming that it needs to be detonated in a performance space as vast as the Royal Albert Hall for full effect. It was also dynamite  because it was modern in musical terms, while purporting to celebrate increasingly regressive Soviet values.  For a while, the Revolution espoused progressive ideas like futurism and modern art,  Eisenstein was probably able to get away with radical innovation ten years after 1917. Twenty years later, Prokofiev was not so lucky. His Cantata was suppressed until Prokofiev and his nemesis Josef Stalin had died, ironically within days of one another.  Now, a hundred years after the Revolution, we can perhaps assess its impact on Russia and the world.  And with Gergiev and the Mariinsky Orchestra and Choir, we probably had the best possible interpreters.   Eisenstein's film, made ten years after the Russian Revolution of 1917, depicted ten critical days in the struggle, starting with the return of Lenin, culminating with the creation of a new Soviet government dedicated to ideals of peace and equality.  Prokofiev's Cantata unfolds in ten sections, highlighting themes in the revolution, some with explicit texts, others in more cryptic orchestral form. Prokofiev prefaced the Prelude with a quote from Marx and Engels A Communist Manifesto, "A Spectre is haunting Europe, the Spectre of Communism".  Marx and Engels, though, were writing in 1848 when communism was no more than theory.  Prokofiev, on the other hand, had personal experience of what a communist revolution could mean.  One wonders if he's praising the system or hinting at something darker.    In the second section, the choirs intone "Philosophers have simply explained the world in different ways. The point is to change it". Another equivocal statement that can be read in different ways. Perhaps the setting hides a clue to meaning. Male and female chorus members sing lines that overlap one another,  propelled by strict rhythm like the pounding of machinery.   Rising anthems in the orchestra suggest patriotic pride, but they're cut apart by an Interlude with jagged angles, and ominous crashing percussion. Perhaps we're in some huge, infernal machine.  In the section titled "Marching in Closed Rank", the voices in jerky lockstep, the rhythms are even more pronounced, highlighted with crashing cymbals and brass.  The text quotes Lenin,"...we are singling ourselves out as a special group who have chosen the path of struggle, not the path of compromise".  Yet Prokofiev follows this with a tiny Interlude of  haunting quietness before the voices return, the women apart from the men.  The revolution has started but its outcome is by no means certain.  Thus rushing, frantic figures, passages where the singing is so fast that, with less articulate voice, the line might collapse. Psychologically true: Trumpets call, metallic bells are beaten. We even hear the hint of ships' bells underlining the reference to "Kronstadt, Vyborg , Revel" (where the Navy mutinied).  We even hear the wail of a klaxon - a touch of Edgard Varèse? Though it's probably a natural response to the images of machinery and violence.  The suggestion of gunfire hangs heavily over the orchestra. Victory, at last? The women's voices sing a serene hymn, whose sweeping lines mihght evoke traditional hymns of harvest.  The men's voices join in.  ""The machinery of oppression has been toppled". Yet still Prokofiev paints mechanical processes into his music - the regular tread of machines and processes, the singers clapping their hands in joyless rhythm, the percussion section stamping their feet.  A single voice rises from within the closed ranks of the men's choir.  "We need the measured tread of the iron battalions of the proletariat". The combined choirs sing a secular hymn of unquestioning obedience to Lenin and his values.  The words quote Stalin, whose loyalty to Lenin might not have been as pure as the text suggests. A section marked "Symphony" follows - flying figures, trumpets and flutes leading forward, the suggestion of pipes and drums, then a semi-pastoral melody, the strings singing as if they were describing fields of corn and a bumper harvest.  But grim ostinato intrudes: the timpani growl and the orchestra flies off again in frantic tension.  Perhaps in this extended section, with its sophisticated textures and inventive contrasts, Prokofiev is expressing that which cannot be voiced in a totalitarian society.  The choirs return, singing in unison, men alternating with women, singing a chorale to words by Stalin, praising the Constitution of the Soviet Union. But in a totalitarian state, constitutional procedures don't guarantee a thing. You could end up in a gulag, as Lina Prokofiev discovered. So is Prokofiev's  Cantata for the Twentieth Anniversary of the October Revolution glorious propaganda? And, if so, for whom and for what purpose? In musical terms it's a lot more sophisticated and subtle than the blatantly crude texts suggest.  Was Prokofiev playing a dangerous double game? We may never know, but the Cantata is a lot more than kitsch   Prokofiev's Cantata received its first public performance in 1966.  The following year, the Soviet Republic marked its 50th anniversary with a reissue of Eisenstein's October: Ten Days that Shook The World. A new soundtrack was added, specially written by Dimitri Shostakovich. It';s thrilling stuff,. These thoughts absorbed me while listening to  Gergiev and the Mariinsky Orchestra perform Dimitri Shostakovich Symphony no 5 in D minor, written at the same time as Prokofiev's Cantata  This was a wildfire hit with the regime, rehabilitating him in their good books.  Throughout his career, Shostakovich played cat and mouse with the system, not always in the best interests of his music.   This performance was so good that Gergiev rehabilitated it for me: it's not usually my favourite., but this was good.  Gergiev's  also a champion of the music of Galina Ustvolskaya.  Initially, she was in Shostakovich's inner circle but eventually their paths turned apart.  Ustvolskaya's music was so uncompromising that it compromised her status in society.  Who knows what Prokofiev would have made of her?  The Prokofiev that might lurk within this Cantata, that is. Keeping Prokofiev and Shostakovich apart,  Tchaikovsky's  Piano Concerto No. 3 in E flat major with soloist Denis Matsuev.

Tribuna musical

September 3

“La Sylphide”, Gala Internacional y Ballet Ruso: buena danza, poca renovación

En estas recientes semanas hubo varios espectáculos de ballet de buen nivel aunque con altibajos. Dos tuvieron lugar en el Coliseo: la reposición del ballet romántico "La Sylphide" y la séptima edición de la Gala Internacional de Ballet de Buenos Aires. Y una en el Ópera (que ahora se llama Ópera Orbis), "Joyas del Ballet Ruso" con solistas de cuatro compañías de esa nacionalidad. "La Sylphide" Mi primera experiencia con "La Sylphide" fue en el Colón, cuando décadas atrás Pierre Lacotte logró una reconstrucción muy seria del original de Filippo Taglioni creado para su hija, la etérea Maria Taglioni, en 1832 para la Ópera de París; con música de Jean Schneitzhoeffer y libreto de Adolphe Nourrit sobre "Trilby" de Charles Nodier; Lacotte la estrenó en Enero 1972 en París, y años después en el Colón. Pero hay otra versión importante, basada en la de Taglioni aunque con el estilo muy personal de Auguste Bournonville, realizada para la Ópera Real de Copenhague en 1836, con música de Herman Lovenskjold. También Petipa (sobre Taglioni), Harald Lander y Erik Bruhn (ambos sobre Bournonville) dieron sus visiones de la historia. Según Paracelso, los silfos son criaturas del aire. En "Trilby", historia escocesa, es el genio del hogar, el diablo amoroso, pero feminizado: es la sílfide, que contempla a James, dormido, y lo besa; él se despierta reaccionando pero la imagen de ella se desvanece. Sin embargo, está planeado que se casará al día siguiente con Effie. Entran amigos y vecinos para saludar a los novios, pero también la bruja Magda, que quiere el calor de la chimenea para recuperarse del frío; James la echa, ella lo maldice y anuncia que Effie se casará con Gurn (enamorado de Effie). James se queda solo, la Sílfide reaparece, logra quedarse con el anillo nupcial e induce a James a seguirla al bosque; al volver Effie ésta llora ante la ausencia de su novio. Como en "Giselle" (que data de 1841) aunque al revés: aquí es la sílfide la que seduce a James. En los dos casos, típicos del ballet romántico, está el elemento sobrenatural: la sílfide y las willys. En el Segundo Acto, Magda da a James un chal asegurándole que poniéndolo sobre los hombros de la sílfide ella no podrá huir, pero cuando se lo coloca caen las alas de la sílfide y muere. Paralelamente Gurn convence a Effie que ha sido abandonada por James, le declara su amor y ella acepta. Tanto Schneitzhoeffer como Löwenskjold son músicos menores (ni siquiera aparecen en el diccionario Grove) pero gratos, y ambos se dejaron seducir por la influencia celta, bastante fuerte en esa época, dando así un carácter especial a las danzas, que dentro del lenguaje académico evocan pasos de los bailes populares escoceses. Y tanto Taglioni como Bournonville fueron creadores fundamentales del romanticismo coreográfico, buscando y obteniendo pasos alígeros, posturas expresivas, gusto refinado y gran elegancia. Fueron Taglioni padre e hija quienes inventaron el baile de punta como manera de delinear el sentido aéreo de la sílfide. Y el segundo acto es en buena parte el prototipo del "ballet blanc", luego tan imitado. Ambos coreógrafos me atraen, pero prefiero a Bournonville por ese estilo tan suyo de pasos pequeños y rápidos. He visto las dos coreografías en el pasado, pero ahora ya pasaron varios años sin que se repusiera en nuestra ciudad ni una ni otra, y por ende me alegré de verla en el Coliseo con el Ballet del Sur y la presencia de Ludmila Pagliero, la argentina que en recientes meses no sólo fue nombrada "étoile" del Ballet de la Ópera de París sino que fue laureada con el Premio Benois de la Danza. Fue valioso ver el trabajo de Pagliero (que aprecié en anteriores visitas) en este personaje de fantasía donde la danza debe dar una sensación sublimada de apenas tocar tierra. Ella bailó ambas coreografías y las conoce a fondo. Su lugar está bien ganado. Pero no sentí ese particular carisma que, por ejemplo, tenía Ghislaine Thesmar, y que creaba la ilusión de estar viendo a una aparición bailando. Pero hubo varios otros motivos para gustar de esta experiencia. El principal fue poder apreciar al Ballet del Sur, al que vi muy esporádicamente (rara vez nos visita y en mis dos únicas visitas a Bahía Blanca las fechas no me permitieron ver espectáculos por ellos). Ya tiene larga existencia puesto que nació en 1956, y pese a condiciones de trabajo bastante precarias tiene una experiencia acumulada que impresiona, con un vasto y variado repertorio y la presencia de coreógrafos y bailarines de notable nivel. La gestión actual está a cargo de Ricardo Alfonso desde 2010. Para "La Sylphide" obtuvo dos colaboradores franceses que demostraron ser de gran categoría: Bernard Courtot de Bouteiller, que demostró tener una formación de primer orden en su esmerada reposición del ballet de Bournonville (sin duda ayudado por el hecho de que el Ballet del Sur fue el primero en dar la versión Bournonville en Sudamérica); y Grégoire Lansier, un James atrayente y de fuerte personalidad tan dueño de su agilidad coreográfica como de las características de su personaje. Otro aspecto interesante fue la notable Magda de Gabriela Pirrone, una bruja convincente de gran plasticidad y garra. Completaron bien Carolina Basualdo (Effie), Manuel Martínez (Gurn) y Nataliya Gamon (madre de James). Pero además el Cuerpo de Baile respondió muy bien en dos tipos de danza muy contrastantes: los aldeanos y las damas en el Primer Acto, de natural evocación del folklore escocés, y las Sílfides en el segundo, danza pura y bella en impecables tutús. Resta mencionar una funcional escenografía de Gerardo Arias, una iluminación a veces algo parca, y una producción manejada con la experiencia asentada de Juan Lavanga. La música grabada sonó bien. VII Gala Internacional de Ballet de Buenos Aires El grupo Ars inició en 2011 las Galas Internacionales de Ballet en el Coliseo; su directorio tuvo a Liana Vinacur y Martín Boschet como figuras principales. Boschet había sido un polémico codirector del Colón en 2008, enfrentado con Sanguinetti (quien fue el que se negó, extrañamente, a usar al Coliseo como sala alternativa de la temporada de ópera, como sí lo hicieron Lombardero en 2007 y García Caffi en 2009); en el Colón pareció tener un solo interés, el Ballet, y Ars fue una manera de concretar un proyecto de danza. Ahora Boschet ha sido nombrado Director Ejecutivo en el Colón y es de desear que sus horizontes allí sean más amplios y se preocupe por las óperas y los conciertos además del Ballet. Vinacur ha quedado como Directora y Productora Ejecutiva, apoyada por un extenso staff. El lujoso programa de mano, con una tapa en la que posa desnuda Iana Salenko, del Staatsballett Berlin, lista 132 artistas en siete años procedentes de muy variadas compañías, incluyendo argentinas. La programación ha sido muy variada y combinó clásicos con modernos, ayudando así al espectador a "aggiornarse" con respecto a lo que pasa en el mundo. A través del tiempo dos artistas me impactaron especialmente: Daniil Simkin del American Ballet Theatre y Alicia Amatriain del Stuttgart Ballett. Con algún altibajo se vio mucho de bueno. A su vez el Colón rivalizó con su propia Gala, separada sólo por pocas semanas de la del Coliseo, y generalmente más restringida, ya que una parte importante era realizada por el Ballet del Colón; este año Paloma Herrera decidió eliminarla (Guerra la había programado) sin explicar qué pasa con esos contratos cancelados. Considero que la Gala Nº7 fue menos gratificante que las anteriores por dos razones: a) la recurrencia a rutinarios grandes clásicos; b) la dudosa calidad de algunas elecciones contemporáneas. Con respecto al primer punto, los menos transitados fueron los pas de deux de "Diana y Acteón" (Pugni-Petipa) y "Raymonda" (Glazunov-Pontus Lidberg) y en ambos la ballerina fue Isabella Boylston, del American Ballet Theatre, recientemente vista en el Colón en "Sylvia" de Delibes-Ashton. Es una figura muy profesional ("accomplished", dicen los americanos) con un enfoque bien pensado de sus roles aunque algo fría. Impresionó como Acteón Dmitry Zagrebin, del Ballet Real Sueco, un bailarín atlético y de amplio salto. Lidberg es un coreógrafo sueco que ha hecho un pas de deux donde el acento está puesto en la elegancia y la interrelación entre los bailarines en vez del virtuosismo vacuo; buena elección de Boylston, secundada con habilidad por el danés Alban Lendorf, también del ABT. El pas de deux de "El Lago de los cisnes" se vio en la desastrosa coreografía de Matthew Bourne sólo para hombres (habrá que cruzar los dedos para que nunca se dé entera aquí); es un símbolo de decadencia que se lo considere actualmente el más importante coreógrafo inglés y lo hayan hecho Sir. Por cierto, juzgar a Ivan Putrov (cisne con ridículas plumas) del Royal Ballet, por esta pieza, sería injusto, aunque sí por haberla elegido; sale menos perjudicado Liam Mower, de New Adventures. En el pas de deux de "El Corsario" (Adam-Petipa) hicieron buena tarea la argentina Daiana Ruiz y el español Martí Fernández Paixa, ambos del Stuttgart Ballet, si bien he visto saltos más aéreos por parte del bailarín (Bocca, p.ej.). El de "La Bayadera" (Minkus-Petipa) fue muy bien bailado por Yulia Stepanova y Denis Rodkin, ambos rusos y del Bolshoi; por lo que se vio, pese a los conflictos en ese famoso conjunto, la calidad y la tradición se mantienen. Por último, el del Cisne Negro (Tchaikovsky-Petipa), con los mismos bailarines, terminó brillantemente el programa. No está de más mencionar que el programa incluye foto y biografía de todos los bailarines y coreógrafos, muy útil. Mucho menos me gustaron los videítos con los cuales los artistas se presentan (innecesarios). En cuanto a las danzas (mejor palabra que ballets para describirlas) contemporáneas, oscilaron fuertemente en su atracción. Un extracto de "Crayon" (Christen Lien-Caterina Rago) fue la primera de dos obras de la Peridance Contemporary Dance Company (extraño apelativo, ¿porqué repetir "dance"?) del coreógrafo Igal Perry, israelí radicado en New York. Lo bailó Alexandre Barranco (único sin biografía en el programa). La pieza me resultó hermética y monótona. La segunda obra, del propio Perry, fue "Mirror" ("Espejo"), extracto de Dia-mono-logues (¿un monólogo de dos?), donde Barranco "dialogó" con Katherine Currier, bailarina de cuerpo rotundo poco afín al baile clásico pero adecuado para estos pasos contemporáneos, más llevaderos que "Crayon". Fue una grata sorpresa la combinación de la bailarina de formación clásica Brittany O´Connor con Paul Barris, campeón de ballroom dancing; con "Ding dong daddy", coreografía de Barris y música de Cherry Poppin´ Daddies, nos sentimos en el mundo nostálgico de "La la land" pero con mayor profesionalismo. Y luego, algo tomado del tour de Andrea Bocelli, en el cual participan: la célebre "Bésame mucho" de Consuelito Velázquez nos llevó al lado latinoamericano de la versátil pareja de bailarines. Me resultó aburrido y moroso el solo paradójico "Two", con mediocre música de Andy Cowton, luces deliberadamente exiguas de Michael Hulls, coreografía de Russell Maliphant, donde Putrov nuevamente me extrañó por sus malas elecciones. El italiano Fabio Adorisio estudió en la escuela Cranko entre 2011 y 2013 y actualmente es bailarín en el Ballet de Stuttgart y coreógrafo; su "Adagio ma non troppo" sobre música de Liszt y Beethoven me pareció inventivo y grato, muy bien bailado por Ruiz y Fernández Paixa. Y el trío "Les lutins" ("Los duendes"), sobre músicas bien conocidas de Wieniawski y Bazzini, notablemente bien tocadas en vivo por el violinista Luciano Casalino y el pianista Marcelo Ayub (todo el resto se escuchó grabado), reveló el fresco talento del coreógrafo danés Johan Kobborg, que fue Director del Royal Ballet entre 1999 y 2013. Su sentido del humor, conocimiento de la danza clásica (puso "La Sylphide" de Borunonville y la bailó) y habilidad para hacerla sutilmente contemporánea fue cabalmente traducida por los dos duendes masculinos (los notables Lendorf y Zagrebin) rondando en torno a la ingenuidad traviesa de Francesca Velicu, rumana de 20 años, del English National Ballet. En suma, con altibajos, una gala que permitió conocer a algunos bailarines y coreógrafos de valía. Joyas del Ballet Ruso El programa de mano de estas Joyas del Ballet Ruso fue paupérrimo: sólo un listado de las piezas e intérpretes sin biografías ni datos orientativos sobre los ballets elegidos, más un párrafo obvio sobre los valores del ballet ruso. Siete bailarines provenientes de dos compañías de San Petersburgo: Mariinsky y Mikhailovsky; y de dos de Moscú: Bolshoi y Stanislavsky, pero sin aclarar quién es de qué compañía. O si son primeros bailarines o de fila. Toda la música fue grabada y no hubo escenografías. A ello se añade que el repertorio fue muy rutinario; quizá sólo el Pas de deux de "Esmeralda" (Drigo-Burmeister/Kordiyaka) no es tan trillado. Para los que somos veteranos, el ballet de Alonso sobre "Carmen" de Bizet en el extraño arreglo de Shchedrin que añade piezas de "La Arlesiana" y que está orquestado para cuerdas y percusión está irremisiblemente ligado a Plisetskaya (Shechedrin fue su marido) que tuvo enorme éxito aquí y en el mundo con su poderosa y angular interpretación. Oxana Bondareva no acertó dramáticamente con la parte aunque se advirtió su indudable flexibilidad, y fueron más atinados Mikhail Venshchikov como Don José, Boris Zhurilov como el Toreador (aunque aquí se vio en esa ya lejana época en una interpretación más acerada) y Maksim Marinin como el Corregidor (¡no Corregido, como dice el programa!). Tatiana Tiliguzova, de negro, dio carácter a El Destino. Natalia Ledovskaya fue una atrayente Esmeralda (recordemos que el ballet es sobre "Notre Dame de Paris" de Victor Hugo) pero su partenaire, Mikhail Pukhov, resultó algo pesado en sus pasajes solistas. El Adagio del Primer Acto de "La Bella Durmiente" (Tchaikovsky-Petipa/Kordiyaka) no es un Pas de deux, ya que la Princesa es cortejada por cuatro caballeros, pero resulta un admirable fragmento que permite gran lucimiento a la bailarina. Aquí Bondareva estuvo mucho más cómoda y fue bien apoyada por los hombres (los tres de "Carmen" más Pukhov). Quizá lo mejor de la noche fue el Adagio del Segundo Acto de "El lago de los cisnes" (Tchaikovsky-Petipa) porque Tiliguzova tiene la silueta ideal para el rol y se mueve con singular gusto y dominio; además tuvo un muy buen "porteur" en Marinin. No hubo el mismo nivel en el otro Pas de deux, el de Odile del Tercer Acto, ya que si bien Bondareva estuvo bastante bien volvieron a sentirse limitaciones en Pukhov. Siguió una correcta versión de "La muerte del cisne" de Saint-Saëns-Folkin) por Ledovskaya (demasiados cisnes en el programa). Y finalmente el Pas de trois de "El corsario" (Adam-Petipa/Kordiyaka), mal anunciado como Pas de deux en el programa, donde tuvieron lucimiento Bondareva, Venshchikov y (creo) Zhurilov. Y luego un finale farandulero no anunciado con los siete y música banal. Me quedé intrigado por ese apellido Kordiyaka retocando varios clásicos. ¿No hubieran podido variar este menú fin del siglo XIX con materiales gratos del XX, como "La fuente de Bakhchisarai" o "El caballito jorobado", evitando estéticas contemporáneas pero saliendo de lo aquí tan remanido? Uno se satura de tantos "fouettés y "pirouettes" en el mismo programa. Nada indica quién fue director artístico en esta gira, o si lo hubo.Pablo Bardin



My Classical Notes

September 2

September CD of the Month: Nicola Benedetti

The CD of the Month for September is violinist Nicola Benedetti’s recording titled “My First Decade”. She performs the following for us: Brahms: Hungarian Dance No. 5 Bruch: Violin Concerto No. 1 in G minor, Op. 26 – Adagio- with the Czech Philharmonic Orchestra, Jakub Hrusa conducting Chopin: Nocturne No. 20 in C sharp minor, Op. post., with Petr Limonov (piano) Gardel: Por Una Cabeza Hess, N: Ladies in Lavender – main theme Massenet: Meditation (from Thaïs), with the London Symphony Orchestra, Daniel Harding conducting. Monti, V: Csárdás Tchaikovsky: Violin Concerto in D major, Op. 35: III. Allegro vivacissimo, with the Czech Philharmonic Orchestra, Jakub Hrusa conducting Vaughan Williams: The Lark Ascending, with the London Philharmonic Orchestra, Andrew Litton conducting Vivaldi: The Four Seasons: Summer, RV315 – Presto- with the Scottish Chamber Orchestra Williams, John: Schindler’s List: Theme, with the Bournemouth Symphony Orchestra, Kirill Karabits conducting. All performed by Nicola Benedetti (violin). Just 26 years old, Nicola Benedetti has been making amazing recordings for 10 years. This album celebrates the best of those recordings, and her other successes – from winning the BBC Young Musician of the Year competition in 2004, to her 2012 best-selling album ‘The Silver Violin’. A collection of great violin music – from Vivaldi’s Four Seasons and Vaughan Williams’ The Lark Ascending to the Tchaikovsky and Bruch violin concertos and Arvo Part’s Spiegel Im Spiegel. The disc also features brand new recordings – Brahms’ invigorating Hungarian Dance no. 5, Monti’s ever-popular Czardas, and Chopin’s emotional Nocturne in C# minor. The album includes Nicola Benedetti performing with leading orchestras and conductors, as well as some of her favorite chamber players. This album showcases the incredible range of Nicola’s playing, and demonstrates her appeal to a wider audience. Here is Ms. Benedetti in Mozart’s Sonata in E-minor:

Pyotr Ilych Tchaikovsky
(1840 – 1893)

Pyotr Ilyich Tchaikovsky (May 7, 1840 - November 6, 1893) was a Russian composer of the Romantic era. His wide ranging output includes symphonies, operas, ballets, instrumental and chamber music and songs. He wrote some of the most popular concert and theatrical music in the classical repertoire, including the ballets Swan Lake, The Sleeping Beauty and The Nutcracker, the 1812 Overture, his First Piano Concerto, his last three numbered symphonies, and the opera Eugene Onegin. Born into a middle-class family, Tchaikovsky was educated for a career as a civil servant, despite his obvious musical precocity. He pursued a musical career against the wishes of his family, entering the Saint Petersburg Conservatory in 1862 and graduating in 1865. This formal, Western-oriented training set him apart from the contemporary nationalistic movement embodied by the influential group of young Russian composers known as The Five, with whom Tchaikovsky's professional relationship was mixed.



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